Carta de Mahani Teave

Les transcribimos textualmente carta recibida de Mahani Teave, en donde presenta su labor en Rapa Nui y solicita apoyo. Esperamos que muchos, ojalá , vean su trabajo y se motiven para aportar y permitir que siga adelante. Un mensaje especial de felicitación a nuestro Taller ha sido posteado en nuestro Facebook.

Por nuestra parte, reiteramos a Mahani nuestro cariño y admiración no sólo por su talento artístico sino también por su calidad humana, que queda de manifiesto en la noble y esforzada misión que se ha impuesto: Llevar más música y cultura a Rapa Nui.

Estimados amigos

En Rapa Nui existe una abundancia y diversidad muy grande de talentos, especialmente artística y deportiva. Lamentablemente como no hay lugares en donde canalizar todos estos talentos y energía creativa, los jóvenes  terminan sumidos en los vicios. Por esto la importancia de crear una escuela artística donde puedan desarrollarse en su máxima expresión.

Ya tenemos un terreno generosamente donado por un joven rapanui quien estudia ingeniería en construcción y nos ayudara a materializar el proyecto. El será además el encargado de supervisar todo el área de la construcción, armar equipos de trabajo, etc.

Actualmente están una profesora de piano y una de violín enseñando a un total de 45 niños en el centro juvenil de la iglesia, que ha sido prestado temporalmente. Este lugar  no tiene suficiente espacio, y es por esto la urgencia de construir un lugar definitivo para poder implantar las clases de forma regular y permanente, además de proteger mejor los instrumentos.

Hemos recibido la ayuda de varias personas y empresas:  2 pianos, una clavinova y diez violines están actualmente en la isla. Otro piano ha sido donado y espera en La Serena poder ser transportado allá lo antes posible.

El financiamiento de los profesores ha sido mas difícil. El Consejo de la Cultura financia a la profesora de piano solo hasta diciembre de este año. Para la profesora de violín ya hemos encontrado un particular que se ha comprometido a financiar su sueldo por un año, desde septiembre 2012 hasta septiembre 2013.

La idea, a medida que vayamos consiguiendo el financiamiento es ir incorporando la enseñanza de mas instrumentos: violoncello, guitarra, ukelele, además de clases de pintura y escultura. Varios de estos profesores viven en la isla y esperan poder empezar lo antes posible, cuando estén los instrumentos que necesitan, el espacio físico y un salario básico. Para nosotros es muy importante poder contar con la ayuda de ustedes ya que sin ella, no se podría concretar este hermoso proyecto.

Las necesidades del momento son:

-financiamiento de profesores:

Los salarios pueden parecer altos, pero son bastante bajos considerando que el costo de vida en la isla es tres veces mas alto que en el continente.

Profesora de piano, 88 horas mensuales: $ 990 mil pesos (financiada por CNCA hasta diciembre 2012)

Profesora de violín, 44 horas mensuales: $495 mil pesos (financiada por privado hasta septiembre de 2013)

Profesor de violoncello, 24 horas mensuales: $270 mil pesos

Profesor de guitarra, 88 horas mensuales: $ 990 mil pesos

Profesor de ukelele, 40 horas mensuales: $ 450 mil pesos

Profesor de teoría, 40 horas mensuales: $ 450 mil pesos

Profesor de pintura, 48 horas mensuales: $540 mil pesos

Profesor de escultura, 48 horas mensuales: $ 540 mil pesos

Total: $ 4.725.000 mensuales

 - materiales de construcción: El 25 de agosto viajó un equipo a hacer el levantamiento topográfico del terreno y el diseño definitivo de la escuela para así obtener el presupuesto total de la construcción y poder detallar a ustedes el aporte especifico que podrían hacer en las distintas áreas y fases de construcción.

-instrumentos en todas las condiciones (ya que pueden ser restauradas):

3 violoncelos de tamaño 3/4: $ 240 mil pesos cada uno precio comercial

3 violoncelos de tamano 4/4: $ 220 mil pesos cada uno precio comercial

11 guitarras:  $ 150 mil pesos cada una (muchos allá tienen sus propias guitarras)

10 ukeleles tahitianos :  $ 50 mil pesos cada uno (precio especial del luthier que los fabrica)

Donaciones de otros instrumentos son bienvenidos también.

-otros: atriles, partituras para principiantes, pinturas, etc.

-aportes directos en cuenta bancaria: Junto a otros  jóvenes profesionales rapanui, estamos en proceso de formar una ONG que podrá canalizar todos los aportes de privados y empresas. Mientras tramitamos la parte legal nos esta apadrinando la ONG IDE que ya esta consolidada y puede recibir los aportes a nuestra causa.

Además hemos abierto temporalmente una cuenta bipersonal en la que pueden hacer también aportes.

Mahani Teave Williams  (RUT. 17948030-1) o

Manuel Ahumada Madariaga (RUT.  6194847-3)

Bank: Banco Itau

Bank Account:  203560208

IBAN or SWIFT code: ITAUCLRM

Fono: 056-9-88036760

Informacion adicional: Sucursal Republica

Los aportes servirán para financiar todo lo anterior mencionado

Los saluda afectuosamente,

Mahani Teave (pianista),  www.mahaniteave.com

Manuel Ahumada (gestor cultural), www.gestionmaquivello.cl

Enrique Icka (cantautor/ ingeniero en construcción) (www.youtube.com buscarlo por su nombre)

Contact:                       E-mail: mahani@mahaniteave.com 

Telefono: Enrique Icka, Chile: 056-9-91218122

Correo postal:

Enrique Icka

Merced 371 Dpto 12

Santiago, Chile

Ver fotos abajo

1 Valeria Prado, profesora de piano, impartiendo clases

2 Mahani Teave junto a la alumna Taurangi Pakomio en preparación del concierto 
   en Tapati Rapa Nui

3 y 4 Concierto de piano en Tapati Rapa Nui, febrero 2012. Los niños, Taurangi y 
          Make  llevaban 2 semanas estudiando piano. El violoncelista, Carlos Rodríguez 
         Teao, será el futuro profesor, en cuanto este su financiamiento.

Taller en Puente Alto (07/09) - Música francesa del siglo XX

El programa de esta semana de  la Orquesta Sinfónica de Chile - con la participación de la Camerata Vocal de la Universidad de Chile, dirigida por Juan Pablo Villarroel - nos permite recorrer un trecho importantísimo de la música francesa de la primera mitad del siglo XX, que sin duda se diferencia vivamente de otras producciones nacionales desarrollando estilos de composición que, siendo diferentes y particulares, resultan plenamente identificables con la tradición gala, que se caracteriza por su elegancia, sabiduría (y audacia) en la orquestación, y una profunda e innegable belleza.

El concierto arranca con el emblemático "Preludio a la siesta de un fauno" (arriba una ilustración de Manet para el poema original), que Claude-Achille Debussy (1862-1918) (ver su biografía completa acá) escribiera en 1894, inspirado en un poema de Mallarmé (un autor caro a los compositores franceses de esta época, que ya hemos comentado la semana pasada). Debussy fue un renovador, un compositor que buscó innovar en el lenguaje inspirándose tanto en manifestaciones no occidentales (que conociera en la Exposición Universal de París, en 1889) como en la tradición francesa, especialmente en su música barroca. El resultado es, en sus obras, de una gran delicadeza, sensualidad y lirismo. Muchos lo consideran un "impresionista", asociándolo en su estilo al de los pintores contemporáneos que reinventaron el paisaje a partir de la luz, pero la verdad es que (y ello se nota en la obra que escucharemos) su estética es más próxima al simbolismo y a lo que luego sería el "Art Nouveau", refinado y atento a los pequeños detalles.

Las novedades que  Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l'après-midi d'un faune en francés) presentaba eran muchas. En primer lugar, una orquestación peculiar con sólo 3 flautas, 2 oboes (mutado uno en corno inglés), 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas y dos arpas sumadas a la formación de cuerda. Ni trompetas, ni trombones, ni percusión, nada que le alejara de la sonoridad perseguida, tenue y vaporosa. Destaca además la estructura de la composición: seis partes de longitud desigual dominadas por el solo de flauta inicial (très modéré), que es expuesto luego con una armonización leve y después completa. Una segunda parte presenta un segundo motivo en el oboe y conduce a una atmósfera de mayor animación. Después, en la tercera, clarinete, oboe y cuerda presentan un elemento melódico nuevo, de gran emotividad y lirismo (même mouvement et très sostenu). La cuarta parte retoma el primer tema transformado rítmicamente. Después el tema se reexpone y se esquematiza en una especie de coda final. Por primera vez, Debussy se apartaba totalmente de la estética establecida, de cualquier obligación tonal y toma a su antojo los recursos para expresar esa impresión general que en él dejó el poema de Mallarmé.

Les dejamos una versión registrada en 1972 por la London Symphony Orchestra, conducida por el legendario director Leopold Stokowski (un experto en la obra y en Debussy), en el marco de una doble celebración: sus 90 años de vida y los 60 de la Orquesta:

En 1912, el célebre bailarín Vaslav Nijinsky coreografió y presentó la obra con los Ballets Rusos de Serge Diaghilev (compañía para la que Stravinsky escribió "Petrouchka" y "La Consagración de la Primavera", entre otras). De ese histórico momento ha quedado un fragmento registrado en cine, que les presentamos en una reconstrucción, además de un extracto de la película biográfica "Nijinsky", filmada en 1980 por Herbert Ross con Georges De la Peña en el rol del bailarín:

La primera parte se completa con el Réquiem Opus 9, para coro, solistas y orquesta (que se presentará en versión de cámara) de Maurice Duruflé (1902-1986) (ver su biografía completa acá). Al igual que en otros compositores franceses de la primera mitad del siglo XX, la música sacra de Duruflé (organista ilustre) puede considerarse de una "tonalidad enriquecida" con reminiscencias modales del canto gregoriano y la música renacentista.

La obra - escrita en 1947 por encargo de la editorial Durand - está estructurada para coro, mezzosoprano y barítono. Existen tres orquestaciones: una para órgano solo, una para órgano con orquesta de cuerdas, trompetas en forma opcional, arpa y timbal y otra para órgano y orquesta completa. Duruflé organizó la obra en nueve movimientos. El texto del Dies irae, considerado el más famoso de la Misa de Réquiem, no fue incluido por el autor francés, aunque las primeras palabras del Dies irae están incluidas en el Libera me. Según los especialistas, la omisión de este trozo hace más tranquila y meditativa la composición. Así también muchos lo han definido como una obra luminosa, un réquiem más para los vivos que los muertos, una música llena de luz y calma.

Les dejamos una versión registrada el año pasado en Riverside (California) por la agrupación Raincross Chorale, dirigida por Steve Koster:

Tendremos la gran oportunidad de ver y oír en esta obra a la Camerata Vocal de la Universidad, actuando como solistas la mezzosoprano Ana Isabel Navarro y el bajo Esteban Sepúlveda. Ambos pertenecen a la Camerata y, a la vez, desarrollan una nutrida actividad como solistas en la ópera o en conciertos.

En la segunda parte, nos encontraremos con dos obras de Maurice Ravel (1875-1937) (ver su biografía completa acá), uno de los más importantes autores franceses del siglo XX y que ya ha sido parte de nuestro taller en semanas anteriores.

En primer término, escucharemos "Le tombeau de Couperin" (La tumba de Couperin), que Ravel  compuso en 1917 tras su participación en la Primera Guerra Mundial como chofer de camión. Apartado del frente cuando enfermó, se dedicó a concluir esta obra, iniciada en 1914, que recrea el estilo de la música francesa del siglo XVIII y rinde un homenaje especial a François Couperin, cabeza de una familia de artistas y figura clave del arte galo de ese siglo. Paralelamente, Ravel dedicó cada uno de los seis movimientos de la obra a amigos suyos fallecidos durante la guerra. La tumba de Couperin (esta forma "tombeau" era una especie de epitafio musical, muy popular en el siglo XVIII) está constituida por una serie alternada de danzas que crean una oposición de movimientos pero, a la vez, invita a participar de una excursión mucho más vasta a través de la evolución de nuestro lenguaje musical. Ravel orquestó sólo cuatro de las seis partes que fueron estrenadas por la Orquesta Pasdeloup de Paris, dirigida por Rhené Baton el 28 de febrero de 1920.

Les dejamos varios videos ilustrativos: el "Preludio" inicial en versión de la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Pierre Boulez; una grabación completa (lamentablemente sin registro fílmico) hecha por Zoltan Kocsis con la Filarmónica Nacional de Hungría y, finalmente, un registro del original pianístico hecho por Angela Hewitt, que nos permitirá aquilatar el talento de Ravel como orquestador (sin duda, uno de los mejores del siglo XX):

La Suite nº 2 del ballet Daphnis et Chloé (inspirado en la novela pastoril de la Grecia Clásica escrita por Longo en el siglo II), estrenado por los Ballets Rusos en  el Teatro Chatelet de Paris el 8 de junio de 1912, bajo la dirección de Pierre Monteux, cerrará este concierto. Ésta fue extraída en 1913 y tiene tres partes: Amanecer que corresponde al momento en que Daphnis, quien busca a su amada Chloé, raptada por piratas, despierta al alba y encuentra finalmente a Chloé; Pantomima, donde los protagonistas representan la historia de Pan y la ninfa Sirynx, mientras la Danza General es una celebración final y jubilosa del amor físico.

Les dejamos una versión de uno de los directores del momento, Gustavo Dudamel, con la Orquesta Sinfónica "Simón Bolívar" de Venezuela:

Al frente de la Orquesta Sinfónica estará una vez más el maestro Maximiano Valdés. Director titular de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, Maximiano Valdés es uno de los directores de orquesta chilenos más reconocidos a nivel internacional.  Ha destacado por la difusión de la música de compositores chilenos,  especialmente en el extranjero donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera. En abril de 2011, el Área de Artes Musicales de la Academia Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile le otorgó  el Premio Domingo Santa Cruz 2011 en reconocimiento a su selecta trayectoria como director de orquesta y a su permanente difusión de obras chilenas y latinoamericanas sinfónicas, en diversos lugares del mundo.  Junto con ello, en junio de este año la Academia de Bellas Artes lo eligió como Miembro Correspondiente de esta institución.

Valdés dirigió durante 16 años la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (España), realizando una destacada labor que llevó a esa agrupación a un nivel de excelencia. Fue director Invitado en los Festivales de Tanglewood, donde trabajó con Leonard Bernstein y Seiji Ozawa. Debutó con gran éxito en Estados Unidos en octubre de 1987 con la Filarmónica de Buffalo.  Dos años después fue nombrado Director Musical de esta agrupación, puesto que ocupó durante cerca de 10 años. En Norteamérica ha dirigido las orquestas sinfónicas más importantes, incluyendo las de San Luis, Nacional de Washington, Filadelfia, Montreal, Baltimore, Indianapolis, Seattle, Houston, Dallas y New Jersey y las orquestas Filarmónicas de Calgary y Brooklyn. Ha participado también en festivales de verano como el Mann Music Center con la Orquesta de Filadelfia y en Caramoor con la Orquesta de St. Luke, en Interlochen, Grand Teton, Eastern Music Festival, Chautauqua, Music Academy of the West y Grant Park en Chicago.

Les dejamos un extracto del ensayo para este concierto, con las impresiones del maestro Valdés acerca del programa:

Cómo no querer a Mahani Teave

Teníamos una deuda con ella. La admiramos el 13 de julio pasado en el brillante y romántico Concierto en La menor de Edvard Grieg, en su regreso con la Orquesta Sinfónica, bajo la batuta del excelente (y muy cercano) Ari Rasilainen. El público usuario de La Faena que asistió a ese concierto anhelaba conocerla, pues habían quedado maravillados con su historia, su talento y su belleza. Fue, entonces, la primera vez que nos atrevimos a cumplir el rol de "groopie" y esperar pacientemente la oportunidad de hablarle y explicarle de qué se trataba esta iniciativa, para ver si aceptaba reunirse y compartir un momento con nosotros. Llegado ese momento, su recepción fue muy cálida y acogedora: no sólo se fotografió con todos los participantes del Taller que quisieron acercarse a ella, también le regaló una flor de su ramo a la pequeña Sareliz Navarro, quien la vio como un modelo a seguir, como la prueba que una niña humilde pero talentosa puede alcanzar todas sus metas y soñar aún más...

Al margen de su indiscutible calidad interpretativa, que ha madurado tras su paso por la Academia Hans Eisler, en Berlín, y que ya la había llevado en 2008 a ganar el Premio Apes de la Asociación de Periodistas de Cultura y Espectáculos de Chile a la mejor intérprete de música selecta por su ejecución del Concierto No.1 de Serguei Rachmaninov con la Orquesta Sinfónica de Chile, sus objetivas condiciones de belleza y personalidad la hicieron ser elegida por el diario El Mercurio y la Fundación Mujeres Empresarias como una de las 100 mujeres líderes del país.

Lejos están los días en que Mahani iba a clases con su profesora de piano en Rapa Nui (quien tenía el único piano en toda la isla) y soñaba con la posibilidad de convertirse en una gran intérprete. Es emocionante verla en el documental que se grabó con ocasión de su primer regreso a Pascua, años después de su traslado al continente para estudiar en Valdivia:

Pero ella, como sabemos, no se ha olvidado de su gente. Junto a su manager, Manuel Ahumada, está dedicada a desarrollar un importante proyecto: la creación de la Primera Escuela de Música de Isla de Pascua, la que en abril se inició con clases de piano, a las que pronto se agregarán las de violín hasta completarla los más importantes instrumentos.  Para hacer realidad esta iniciativa ha contado con el apoyo de la empresa privada lo que le ha permitido concretar la compra de los dos pianos que actualmente tiene la Escuela, una casa de cinco salas que les ha prestado la Iglesia de la isla. Además de este proyecto ha seguido realizando conciertos allá, como el último que ofreció y en el cual actuaron los dos primeros alumnos de la Escuela de Música.

Las fotos de este encuentro en el Teatro de la Universidad de Chile están en nuestro Facebook, pero el recuerdo de su sencillez y su belleza no se han borrado de quienes la conocieron, una presencia que justifica su nueva y exitosa faceta como modelo:

Para recordar su paso por la Temporada 2012, les dejamos este video del ensayo con la Orquesta Sinfónica del Concierto de Grieg, y un par de "encores" que nos permitirán seguir disfrutando de su gran talento y sensibilidad:

Taller en Cerrillos (31/08): La belleza de la orquesta

La amplia paleta de colores de la orquesta sinfónica será protagonista en el concierto de mañana, que parte con una novedosa obra (2003) del compositor y pianista argentino Jorge Pepi-Alos (1962), radicado en nuestro país y profesor de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Los Cuatro Estudios para Orquesta fueron encargados por el Conservatorio Neuchatelois (Suiza) para la “Fiesta del Conservatorio 2003”, y se estructuran del siguiente modo:

I- Volúmenes y Líneas

II- Ornamentos

III- Timbres

IV- Ritmos

El maestro Pepi-Alos señala en su sitio web: "No hay que interpretar mis Cuatro Estudios como un Concierto para Orquesta, ya que se trata de un trabajo personal sobre la formación sinfónica tradicional, tratando de desarrollar al máximo mis posibilidades actuales de orquestación, estructuración, equilibrio sonoro y tantos otros parámetros de la composición orquestal.

En el primero, las masas (volúmenes) y los individuos (líneas) están en constante dialogo (o lucha).La preponderancia inicial de volúmenes sobre líneas evoluciona inversamente hacia el apacible final, produciendo un intercambio de poderes.

El segundo estudio es como un scherzo, efímero y liviano. En él, las ornamentaciones están tratadas como elemento principal, estructurando la pieza, contrariamente a la idea de “adorno” o “agrément” que serviría solo para “embellecer” la obra.

En “Timbres” (probablemente el más complejo de los cuatro) me propuse, utópicamente, de producir combinaciones tímbricas irrepetibles; yendo de las más puras (solos) a las más complejas (tutti).

“Ritmos” es la orquestación de una obra preexistente. Efectivamente, “Metamorfosis I” para piano, pieza escrita en 1992 es la base de este estudio donde las pulsaciones insistentes y los cambios de tiempo originaron su nombre."

Lamentablemente no encontramos registro en video de esta obra, pero sí de la versión pianística de "Metamorfosis I", que puede adelantarnos algo sobre el trabajo:

El programa continúa con el primer concierto para piano del maestro húngaro Franz Liszt (1811-1886) (puede encontrarse su biografía completa acá). Sin duda el principal pianista de la historia, Liszt revolucionó su época al "inventar" el recital "de virtuoso" y es un prolífico escritor también para la orquesta (con influencias de Berlioz y su yerno Richard Wagner, geniales en el manejo de los volúmenes y timbres instrumentales).

El Concierto para piano y orquesta n.º 1 en mi bemol mayor, R 455, S.124 fue terminado por Liszt en 1849, y estrenado seis años más tarde, el 17 de febrero de 1855, con el propio autor actuando como solista y Hector Berlioz al frente de la orquesta. En la partitura manuscrita, Liszt denominó esta obra como concerto symphonique. Este concierto está considerado como el más brillante, perfecto y popular de todos los que Liszt compuso. No expresa ni mundos contemplativos, ni ideas profundas, entre otras cosas porque Liszt nunca estuvo interesado en destacar en sus obras esas características, excepto en contadas ocasiones. El concierto es de una fuerza superior a la de su posible trascendencia. Tal vez la característica más acusada sea la del interés con que, sin que el piano pierda protagonismo, participe la orquesta, ya sea con intervenciones de distintos solistas, ya en los tutti de una formación que emplea, lejos de limitaciones clásicas, todo un conjunto, incluidos los trombones y una rica y brillante percusión. Los movimientos son: Allegro maestoso, Quasi adagio, Allegretto vivace - Allegro animato y Allegro marziale animato.

Les dejamos una versión del pianista del momento, el joven virtuoso chino Lang Lang, registrada el año pasado en el Royal Albert Hall de Londres con la Orquesta de la BBC:

El programa termina con el majestuoso Concierto para Orquesta del compositor húngaro Béla Bartók (1881-1945) (biografía completa acá), a quien Stravinsky llamara "el santo de la música del siglo XX". 

El Concierto para orquesta (1942-1943) es una partitura brillantísima que ha contribuido mucho a la fama del compositor aunque no es, quizás, su obra maestra definitiva. De cualquier forma, es la composición que facilita un mejor acceso del público en general a la música de Bartók. De una orquestación esplendorosa, a veces un tanto pesada (Metales), no es la partitura más novedosa de Bartók. Desde sus primeras y exitosas audiciones, el compositor fue acusado de conservadurismo, de haberse plegado a la “manera norteamericana”. Pero, a pesar de todo, la obra sorprende por su energía y vitalidad, algo impropio de una persona ya enferma como Bartók y que moriría tan sólo dos años más tarde. A semejanza de los concerti grossi del siglo XVII, el Concierto para orquesta suele oponer un instrumento o un grupo de ellos al resto de la orquesta, explotando todos los recursos tímbricos de la moderna orquesta. La obra consta de cinco partes que se suceden en el orden vivo-moderado-lento-moderado-vivo y en donde, según palabras del propio Bartók, “se produce una transición gradual de la austeridad del primer movimiento hasta la afirmación vital del último”.

Les dejamos una versión registrada en 1977 por la Sinfónica de Los Angeles (California), bajo la dirección del celebrado maestro hindú Zubin Mehta, uno de los mejores directores del siglo.

Un programa, en síntesis, maravilloso para acercarse al pleno desarrollo de las posibilidades técnicas y estilísticas de la orquesta, a cargo del excelente director húngaro (¿quién mejor para entender la obra de dos compatriotas?) Zsolt Nagy, a quien ya pudimos aplaudir ayer en el programa de música de cámara (Schönberg, Stravinsky, Ravel).

Como solista en el concierto de Liszt, tendremos la oportunidad de ver y escuchar al pianista letón Armand Abols, radicado desde hace varios años en el sur de Chile. Abols estudió con Ilze Graubina en la Academia de Música Jazeps Vitols de Letonia,  titulándose con distinción máxima como intérprete y profesor de piano. Realizó estudios de posgrado en el Instituto de Música de Cleveland, EE.UU. con el afamado pianista Sergei Babayan. Ha sido profesor en la Escuela Moderna de Música en Santiago y miembro del jurado en el Concurso Internacional de Piano “Dr. Luis Sigall” de Viña del Mar y Concursos de Piano “Claudio Arrau”.

No disponemos de registro en video de Abols para el Concierto de Liszt, pero - como un regalo especial - les dejamos una versión completa de los 24 Preludios de Frédéric Chopin:

Taller en La Cisterna (Miércoles 29 de agosto): Un programa moderno

Esta semana tendremos un experimento tal vez difícil, pero interesante: enfrentar a auditores noveles con obras de un lenguaje musical muy diferente al que están acostumbrados a escuchar, un lenguaje que les sonará absolutamente moderno pese a que todas las piezas fueron escritas hace ya cien años... Intentaremos que este encuentro sea lo más fructífero y esclarecedor posible, y por mientras dejamos algunos antecedentes.

El programa de esta semana, que además no es a orquesta completa sino con un grupo escogido de instrumentistas, o sea, un programa "de cámara", comienza con el "Pierrot Lunaire", de Arnold Schönberg (arriba lo vemos en uno de los varios autorretratos en los que se pintó).

Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los Ángeles, California,13 de julio de 1951) - o Schoenberg, como sería conocido luego de emigrar a los Estados Unidos - es uno de los principales renovadores de la música del siglo XX (ver acá su biografía completa). Con él, la música occidental - que ya venía cambiando en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX - entra en un mundo completamente nuevo, cuando el compositor reemplaza el sistema tonal - que todos conocemos y usamos aún, con sus escalas mayor y menor - por un método distinto, que asigna el mismo valor a cada una de las 12 notas de la escala cromática (ver cómo es la escala aquí)

Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds 'Pierrot lunaire', ("tres veces siete poemas de Pierrot Lunaire de Albert Giraud"), conocido comúnmente como Pierrot Lunaire, Op. 21, es un ciclo de canciones compuesto sobre 21 poemas de la traducción realizada por Otto Erich Hartleben del ciclo de poemas franceses del mismo nombre de Albert Giraud (pueden leerse en versión bilingüe aquí). La obra se estrenó en el Berlín Choralion-saal en octubre de 1912, con la soprano Albertine Zehme (que los había encargado) como vocalista. Los poemas están musicalizados en el estilo Sprechstimme (hablado), lo que complementa el estado de ánimo de los poemas. La obra es atonal, pero no dodecafónica, dado que Schoenberg comenzó a experimentar con el dodecafonismo en un punto posterior de su carrera. La instrumentación es bastante variada, cambiando las combinaciones en cada canción.

Les dejamos una versión completa de la obra, grabada en Italia en 2010, con la soprano Alda Caiello como solista:

El programa continúa con "Tres poemas de la lírica japonesa", que el gran compositor ruso Igor Stravinsky, otro de los próceres de la música del siglo XX (ver su biografía completa acá), compuso en 1913, en parte impresionado por la audición del "Pierrot Lunaire", hecho que determinó la elección de un pequeño grupo instrumental para su orquestación. 

El interés por la poesía japonesa surgió en Stravinsky por su asociación con la llamada Société des Apaches, grupo de compositores, pintores, escritores y críticos de arte franceses formado a principios de 1900 en París. Entre sus miembros estaba el compositor Maurice Delage (1879-1961) quien tenía gran interés en la música hindú y asiática. En ese entorno artístico en donde predominaba la atención a las culturas africana y asiática, surgió el interés de Stravinsky por la lírica japonesa. Los nombres de las tres poesías (Akahito, Mazatsumi y Tsaraiuki) corresponden a tres poetas tradicionales japoneses que escribían en el género Haiku (miniaturas poéticas), y al parecer Stravinsky trabajó inicialmente con los textos en una versión rusa.Otros célebres miembros del grupo de los Apaches fueron Maurice Ravel, Florent Schmitt (1870-1958) y Manuel de Falla (1876-1946). Cada una de las tres poesías a las que Stravinsky puso música fue dedicada a miembros de la mencionada sociedad.

Les dejamos una versión de la soprano Evelyn Lear, con miembros de la Columbia Symphony dirigidos por Robert Craft:

El programa concluye con las "Tres canciones sobre poemas de Stéphane Mallarmé", del compositor francés Maurice Ravel (1875 - 1937) (ver acá su biografía completa)

En una entrevista en 1927 Maurice Ravel dijo sobre el poeta simbolista Stéphane Mallarmé: "ha exorcizado nuestro lenguaje, como el mago que es. Ha liberado los pensamientos alados, los sueños inconcientes de su prisión." Ravel pusó música a tres poemas de Mallarmé después de haber escuchado las "Tres poesías de la lírica japonesa" de Stravinsky, tras lo cual quedó particularmente impresionado por su ensemble de piano, cuarteto de cuerdas, dos flautas y dos clarinetes. Stravinsky - como ya dijimos - a su vez había sido influenciado por la original orquestación de "Pierrot Lunaire" de Arnold Schönberg. La singular forma y uso de la disonancia presentes en la obra de Ravel reflejan también el espíritu de los poemas y así encontramos música delicada, frágil por momentos, pero llena de la maestría que es firma de este gran maestro.

Les dejamos una versión de la soprano Nora Gubisch, con el Ensemble Intercontemporain, dirigidos por Alain Altinoglu:

Una vez completadas sus piezas usando la misma instrumentación que Stravinsky, Ravel convocó a lo que llamó "Concierto escandaloso", donde habrían de tocarse las tres obras antes mencionadas. Dicho concierto tuvo lugar en enero de 1914, pero remplazando las canciones de Schönberg por obras de Maurice Delage (que, como ya se dijo, perteneció al grupo de "Los Apaches")

“Como Ravel no tuvo la oportunidad de hacerlo en su tiempo, debiera estar feliz de que en Santiago de Chile, 100 años después, un grupo de músicos y yo podamos tocar este concierto tan contemporáneo para su época y tan difícil de interpretar en un solo programa”, afirma el director húngaro Zsolt Nagy (abajo, en la foto), que tiene a su cargo el concierto, donde intervendrán los siguientes intérpretes: en la voz, la soprano Nora Miranda, integrante de la Camerata Vocal; en flauta estarán Karina Fischer y Guillermo Lavado, en clarinetes, Alejandro Ortíz y Dante Burotto; en violín y viola Rodrigo Pozo; en violín Miguel Ángel Muñoz; en viola, Pablo Salinas; al violonchelo, Celso López; y frente al piano, Kuniko Shirakawa y Luis Alberto Latorre. 

Martes 21 de agosto: Recital del guitarrista Luis Orlandini

Un grupo seleccionado de usuarios de las bibliotecas de La Faena, La Granja y Renca podrán asistir, en forma extraordinaria, al recital de música francesa que ofrecerá el destacadísimo guitarrista nacional y director del Departamento de Música y Sonología de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Luis Orlandini. El recital forma parte de la temporada oficial del Departamento, que se está realizando en el Centro Cultural Gabriela Mistral, y nuestra presencia allí ha sido posible por una gentileza del GAM gestionada por el director de Comunicaciones de la Facultad, el académico Sergio Trabucco Zerán.

Nacido en Santiago en 1964, el maestro Orlandini estudió en la Facultad de Artes con el profesor Ernesto Quezada y luego con Eliot Fisk en la Escuela Superior de Música de Colonia, Alemania. También realizó un curso en el Mozarteum de Salzburgo, aparte de perfeccionarse con maestros de la talla de Oscar Ghiglia (discípulo de Andrés Segovia) y Eduardo Fernández. Su carrera como concertista lo ha llevado a presentarse en toda Europa, Asia y América. Asimismo, ha realizado numerosas grabaciones de música chilena y del repertorio guitarrístico universal. Pueden visitar su sitio web si quieren interiorizarse de su trayectoria en detalle. Para conocer a este gran artista, les dejamos dos videos: el primero, con su interpretación de la Sonata para Guitarra del compositor argentino Alberto Ginastera, en el marco del 4º Festival Anual Iberoamericano de Guitarra en Washington D.C. (EE.UU., 2010); el segundo es una entrevista concedida a la periodista Patricia Caicedo el año pasado en Fort Worth, Texas (EE.UU.)

El programa abarca casi cinco siglos de música francesa, y contempla tanto obras escritas originalmente para laúd, transcripciones de piezas para piano y trozos creados para la guitarra, principalmente en homenaje al gran divulgador del instrumento en el siglo pasado, el maestro español Andrés Segovia.

En la primera parte, escucharemos:

Ennemond Gaultier (1575-1651):

- Pieces en Re menor (Prélude / Tombeau de Mézangeau / Gigue “Testament de Mézangeau”)

Gaultier es el primer gran laudista francés, y es llamado "el Viejo" para diferenciarlo de su primo Denis, también compositor e intérprete de laúd, que es "el Joven". Les dejamos una de las piezas ejecutada en laúd, "Le tombeau (la tumba) de Mézangeau":

Jean Baptiste Lully (1632-1687):

- Ouverture de la grotte de Versailles (arreglo de Robert De Visée)

Aunque nacido en Italia, Lully llegó a ser director musical de la corte del rey Luis XIV de Francia, y se le recuerda como compositor de óperas y ballets. Les dejamos una versión de "Ouverture..." en tiorba, un instrumento barroco de mayores dimensiones que el laúd:

Robert De Visée (ca.1660- ca.1720):

- Suite en Sol Mayor (Prelude/Allemande/Courante/Sarabande/Gigue)

La suite es una colección de danzas, generalmente ordenadas por su velocidad: lenta - rápida, etc. De Visée fue también músico en la corte de Luis XIV. Les dejamos el Preludio de esa Suite ejecutado en tiorba:

Pierre de Bréville (1861-1949):

- Fantaisie (1926) (Estreno en Chile)

Bréville fue profesor del Conservatorio de París y crítico musical, aparte de compositor. Esta obra - escrita para Andrés Segovia - no llegó a estrenarse durante su vida y, según el maestro Orlandini, ha sido "injustamente olvidada". Aquí está la primera parte (Resolu), grabada por Kaori Muraji:

En la segunda parte del recital, se escuchará:
Albert Roussel (1869-1937):

- Segovia op.29 
Roussel escribió en 1929 esta pequeña obra, de gran brillo, dedicada a Andrés  Segovia, quien había conquistado París con su talento en 1924. Aquí una versión del gran guitarrista británico Julian Bream:

Claude Debussy (1862-1918):
- La fille aux cheveux de lin 
Esta breve pero armónicamente compleja pieza es quizá la más conocida del Primer Libro de Preludios (para piano) de Debussy, escrito entre 1909-1910. Hay múltiples transcripciones para guitarra. Aquí presentamos una versión de Jeimin Yang:

Georges Auric (1899-1983):
- Hommage à Alonso Mudarra (1960)
Famoso más que nada por sus bandas sonoras, Auric compuso esta pequeña pieza como un real homenaje al vihuelista español del Renacimiento Alonso Mudarra, cuya pieza "Fantasia que contrahaze la harpa en la manera de Ludovico" es citada un poco antes del final. Recia pero llena de humor, la obra pasó casi inadvertida hasta que fue grabada por Erling Møldrup y Emanuele Segre. Dejamos una versión de Otto Tolonen:

Francis Poulenc (1899-1963):

- Sarabande (1960)

Escrita en 1960, la pieza estaba dedicada a Ida Presti, que al parecer nunca la ejecutó. El tema inicial aparece en al menos dos obras anteriores de Poulenc: la Improvisación para piano Nº 13 en la menor y el último acto  de su ópera "El diálogo de las Carmelitas". Versión de Matthew McAllister registrada en la Catedral de San Pablo, en Dundee (Escocia):

Darius Milhaud (1892-1974):

- Segoviana op. 366  (1959)

Aunque indiscutiblemente inspirada en su figura, Segovia nunca tocó esta obra (se sabe que no le gustaba la música contemporánea). Pese a ello, forma parte del repertorio de la mayoría de los guitarristas actuales. Versión de Sanel Redzic:

Roland Dyens (1955- )

- Saudade nº3 (1980) “Lembrança do Senhor do Bonfim da Bahia” (I. Rituel / II. Danse / III. Fête et Final)

De esta obra escribe el guitarrista uruguayo Eduardo Fernández en 2005: "Otra visión de Brasil es la que presenta Roland Dyens (n. 1955) en su Saudade Nº 3, dedicada al recuerdo de la más famosa iglesia de las 365 que ornamentan la ciudad de Salvador, Bahía, la del Senhor de Bonfim. Dyens, un guitarrista y compositor francés de formación clásica, parece haber derivado hacia lo popular llevado por una necesidad interior. Sus obras, de las que Saudade Nº 3 es probablemente la más conocida, utilizan los recursos y los giros populares sin caer en lo meramente turístico, y explotan con gran virtuosismo las posibilidades de la guitarra." Versión de Kaori Muraji:

Taller Nº 6 - Alvarado, Haydn y Beethoven (Viernes 17 de agosto)

El programa de la Orquesta Sinfónica para este viernes 17 de agosto nos permite saltar en el tiempo desde casi los inicios de la sinfonía al momento presente, ya que partiremos con el estreno mundial de una obra de un autor chileno actual para luego viajar hasta fines del siglo XVIII, a escuchar al gran compositor Joseph Haydn, y terminar con la Sexta Sinfonía "Pastoral" de Beethoven, en los inicios del siglo XIX.

Sin duda un buen programa para nuestro taller, ya que se nos da la posibilidad de apreciar estilos de composición y expresivos muy diversos, oportunidad que - como siempre - trataremos de aprovechar al máximo.

Dirige una vez más el maestro Eckart Preu (les ruego leer las entradas anteriores para conocerlo y saber, entonces, qué esperar de su trabajo, que estamos seguros será nuevamente brillante).

En primer término, asistiremos a la primera audición de "Emiliana". El compositor y académico Boris Alvarado (1962) ha estado ligado toda su vida a su ciudad natal, Valparaíso, ya que actualmente se desempeña como profesor en la Pontificia Universidad Católica del puerto, director de su Coro Femenino de Cámara y además es integrante del Consejo de la Cultura de esa ciudad patrimonial. Es magister en artes con mención en composición, por la Universidad de Chile; magister en composición y música sacra, por la Academia Estatal de Música de Cracovia (Polonia), y doctor en composición musical por la Academia de Música Fryderyk Chopin de Varsovia (Polonia) (puede encontrarse su biografía completa acá). “Ésta es una enorme oportunidad de realizar la difusión de mi trabajo en el medio chileno, considerando que gran parte de los estrenos mundiales de mis obras han sido fuera de nuestro país”, señaló el músico (http://prensa.ucv.cl/?p=5457) 

La pieza, de 13 minutos de duración, corresponde a un madrigal, estilo de composición de origen renacentista que trata temas profanos. El concepto de “madrigal amoroso” recuerda al músico Claudio Monteverdi, prolífico compositor de este tipo de creaciones. Alvarado dedicó cerca de un año y medio a escribir la obra, que describe como un “vuelo espiritual, amoroso y épico, en comunión con la naturaleza y los pájaros”. El compositor explica que este madrigal recoge la influencia de un poema sufí, palabra de origen árabe para describir a la persona con un grado de desarrollo espiritual. En él, el vuelo y la gestualidad de los pájaros representan los diversos arquetipos humanos con sus propias motivaciones para emprender el camino espiritual. En el poema, las aves descubren a lo largo de su viaje que lo que buscan no es otra cosa que a sí mismas. “Refleja que el camino es hacia el interior, y que la iluminación no es sino la apasionada unión de un alma individual con un ritmo y lo amoroso de lo humano”, subraya Alvarado.

Como obviamente no hay registros previos de "Emiliana", les dejamos otra obra del maestro Alvarado, grabada en Alemania en 2009 por el ensemble Antara, "Ritual Huilliche":

Luego, escucharemos la Sinfonía Nº 39 en sol menor, Hoboken I/39, del compositor austríaco Joseph Haydn, llamado por muchos "el padre de la sinfonía" y una de las cumbres de la historia de la música occidental. El nombre "Hoboken" corresponde a quien catalogó su obra, el musicólogo holandés Anthony van Hoboken (1887-1963).

Haydn (1732-1809) fue contemporáneo de Mozart y vivió toda su vida en Austria, pero gran parte de su obra se estrenó y tuvo mucha popularidad en Inglaterra. Su biografía completa, aquí. También pueden ver una breve biografía suya, narrada por el gran locutor chileno Raúl Matas, en YouTube:

La Sinfonía n.º 39 en sol menor fue compuesta en 1767 o 1768. Es la primera sinfonía en modo menor de Haydn asociada con su período de obras del Sturm und Drang (en castellano, "Tempestad e ímpetu", un movimiento literario alemán que desencadenó el Romanticismo). La obra influyó e inspiró futuras sinfonías en sol menor como las de Johann Baptist Vanhal, Johann Christian Bach  y el mismo Wolfgang Amadeus Mozart (la n.º 25).

Está orquestada para dos oboes, cuatro trompas (dos en si bemol y dos en sol) y cuerdas (violines divididos en dos, violas, chelos y contrabajos).La sinfonía consta de cuatro movimientos: Allegro assai (rápido), Andante (lento)en mi bemol mayor, Menuet (más ágil y bailable), y Finale: Allegro di molto (nuevamente rápido)

Les dejamos una versión de la Sinfonía grabada el año pasado por la Orquesta de la Radio Televisión Española, con su director titular, el maestro uruguayo Carlos Kalmar:

Después del intermedio, el concierto terminará con la Sexta Sinfonía en Fa Mayor, op. 68, llamada "Pastoral", del genial Ludwig van Beethoven. Sin duda todos han oído hablar del maestro Beethoven (1770-1827), uno de los más importantes compositores de toda la historia. Su biografía completa puede encontrarse acá. 

Quienes quieran profundizar en su vida y obra, pueden ver - entre muchos y muy ricos materiales - un completísimo documental de la BBC en tres capítulos en YouTube. Aquí les dejamos el primero:

La Sinfonía n.º 6 en fa mayor, Opus 68 "Pastoral" fue terminada por Beethoven en 1808, cuando ya se encontraba completamente sordo, y es paralela en escritura a la famosa "Quinta". Es una de sus pocas obras de música programática (o sea, que tiene una inspiración "visible", o narra una historia), y el compositor la subtituló "Recuerdos de la vida campestre". Beethoven fue un amante de la naturaleza, tanto así que pasaba gran parte de su tiempo caminando por el campo. Frecuentemente abandonaba Viena para trabajar en localidades rurales. No fue, sin embargo, el primer compositor en describir sinfónicamente la naturaleza: por ejemplo, en su oratorio Las Estaciones, estrenado en 1802, Joseph Haydn también describió escenas rurales, campesinos bailando, una tormenta, pájaros cantando, y otros similares. En los siglos anteriores, se había usado esta misma inspiración muchísimas veces.

Lo novedoso en Beethoven es que él no compone una obra cantada (o sea, con un libreto), sino que prefiere el lenguaje orquestal, sinfónico, buscando - como él mismo escribió - «más expresión de sentimientos que pintura de sonidos». También es original al agregar una quinta parte o movimiento al esquema de la sinfonía como forma musical, ya que hasta entonces contemplaba sólo 4. 

Estas cinco partes son: 

1. Allegro ma non troppo: «Despertar de alegres sentimientos con la llegada al campo»

2. Andante molto mosso: «Escena junto al arroyo»

3. Allegro: «Alegre reunión de campesinos»

4. Allegro: «Relámpagos. Tormenta»

5. Allegretto: «Himno de los pastores. Alegría y sentimientos de agradecimiento después de la tormenta»

Aunque es una obra algo larga (aproximadamente 40 minutos), es tan hermosa que el tiempo literalmente "se pasa volando". Les dejamos una versión completa de la Orquesta de la RAI (Radio Televisión Italiana):

En su maravillosa película "Fantasia", de 1940, Walt Disney incluyó una versión de la Sexta, que traslada la acción desde los alrededores de la Viena de comienzos del siglo XIX al mitológico Monte Olimpo, con sus dioses y animales fantásticos. Vale la pena disfrutarla: